10dence gallery - multi-disciplinairy expressions of art

Contemporary Collaboration 2.0

Contemporary Collaboration 2.0 - international exhibition project - Pulchri Studio - The Hague


Contemporary Collaboration 2.0 is het vervolg op een internationaal tentoonstellingsproject waarbij de stimulering van nieuwe vormen van multilaterale samenwerking centraal staan. De tentoonstelling presenteert het werk van een internationale groep kunstenaars die allemaal verbonden zijn met verschillende kunstnetwerken en daarbinnen intensief met elkaar samenwerken in zowel hun artistieke processen als in de ontwikkeling van de verdere professionalisering van de diverse beroepspraktijken

Contemporary Collaboration 2.0 laat een selectie zien van hedendaagse kunstenaars die zich in hun werk verhouden tot onderwerpen die samenhangen met het begrip diversiteit in al haar facetten en de beeldvorming en interpretatie daarvan. De tentoonstelling is onderdeel van een breder programma van tentoonstellingsprojecten die door het 10dence platform ten behoeve van de aangesloten kunstenaars ontwikkeld worden binnen Nederland en België, waarbij zij zich gemeenschappelijk de vraag stellen in hoeverre ze relevant kunnen zijn als het gaat om vraagstukken ten aanzien van diversiteit en inclusie.

De internationale groepstentoonstelling Contemporary Collaboration 2.0 is een vervolg op de eerdere tentoonstelling onder dezelfde naam in de Klinkenberg galeries I en II in oktober 2018, welke wederom en in iets uitgebreidere vorm, van 5 t/m 28 september 2020, te zien zal zijn in de Klinkenberg I en II en de Voorhout galeries bij Pulchri Studio. Onder de titel Contemporary Collaboration 2.0 heeft  organisator en beeldend kunstenaar Ron Weijers, deze internationale tentoonstelling als curator samengesteld.

Deelnemende kunstenaars: Carl Heyward en Madeleine Wories uit de Verenigde Staten, Akiko Suzuki en Susumu Ohira uit Japan, Dimitri Xato uit Catalonia, Romeo Battisti uit Italië, Anneke Hodel-Onstein en Michael Oberlik uit Oostenrijk, Vered Gersztenkorn uit Israël en Frans van Viegen, Larisa Sjoerds, Trudy Kunkeler, Anja Steketee en Ron Weijers uit Nederland.

De tentoonstelling Contemporary Collaboration 2.0 zal officiëel worden geopend door TV presentatrice Andrea van Pol op 5 september om 17.00 uur in de Klinkenberg galerie I en II en de Voorhout galerie - Pulchri Studio aan het Lange Voorhout 15 in Den Haag. De zangeres Rosita Molendijk zal voor een passende muzikale omlijsting van de opening zorgdragen. De Contemporary Collaboration 2.0 tentoonstelling is van 5 september t/m 28 september 2020 te zien bij Pulchri Studio in de Klinkenberg galerie I en II en de Voorhout galerie.

De doelstelling van het 10dence platform is de stimulering, introductie, organisatie en realisatie van alternatieve, inspirerende en inventieve trajecten om de professionele kunstpraktijk te bevorderen en te ondersteunen. Een broedplaats die intensief samenwerkt binnen verschillende internationale netwerken met als doel om op onafhankelijke wijze een platform te bieden aan kunstenaars, voor het presenteren en tentoonstellen van hun werk in binnen- en buitenland. 10dence onderzoekt in samenwerking met kunstenaarsinitiatieven, zoals bijvoorbeeld Global Art Project (GAP), Artist Run Alliance (ARA), High Art Fridays (HAF) en Inspirational Magazine hoe de creatie en productie van kunst kan worden gecultiveerd door middel van alternatieve innovatieve netwerken en residenties die samenwerking, experiment en de multidisciplinaire praktijk combineert.

de deelnemende kunstenaars

Carl Heyward - Penny Ante and the color of the dream I had  mixed media on paper - 2019






























Carl Heyward is een buitengewoon productieve mixed media kunstenaar en schrijver die woonachtig en werkzaam is in San Francisco Bay Area in de Verenigde Staten. Carl is langdurig verbonden geweest als educator aan de San Francisco Academy of Art op een veelvoud van disciplines en programma’s. Hij is de grondlegger van Global Art Project (GAP), een internationaal, multicultureel, multinationaal, pan-etnisch kunstplatform. Een groep internationale kunstenaars die in verschillende media werken en samenwerking, experimenten en wederzijdse ontwikkeling van de kunstpraktijk bevorderen, die regelmatig internationale workshops en tentoonstellingen organiseren. Experimenteren is een bijna genetisch te noemen grondslag voor zijn artistieke werk en daarnaast is hij bijzonder gedreven en bedreven in het charistmatische stimuleren van kunstenaars en samenwerkingsprocessen binnen de internationale kunstsector. 

Madeleine Wories - Faults and Folds - mixed media on paper - 61x46 cm





































Madeleine Wories is een van oorsprong Nederlands graficus en kunstenaar en groeide op in Costa Rica en Australië, studeerde in Canada en is momenteel woonachtig in Californië. Haar werken evolueren door een voortdurende dialoog en een intuïtieve interactie met haar werkproces. In de geest van abstract expressionisme streeft ze door kleur, vorm, lijn, textuur, markeringen, gebaar en beweging naar een balans tussen controle en spontaniteit waar intentie en onvoorspelbaarheid samenkomen. Ze haalt vaak inspiratie uit haar omgeving: landvormen, geologie, texturen, zeeën, luchten, wind en weer, maar ook uit de actualiteit. In haar semi-abstracte interpretatieve schilderijen probeert ze de essentie en de geest van haar leefomgeving vast te leggen, of het nu door licht is, door beweging van water en wind, of door de rauwheid en tonen van de aarde.

Akiko Suzuki - Scars of the world - quilt - 180x220

Akiko Suzuki groeide op met het geluid van naald, draad, schaar, stiksels en stof. Vanaf 1990 is ze actief met het maken en bestuderen van de fabricage van patchwork quiltproducties. Van oorsprong maakte ze werken op basis van authentieke kimono-technieken, uit overlevering aangeleerd door haar grootmoeder en haar leraar Michiko Shima. Haar ontwerpen zijn van traditioneel, naar een abstracte stijl en vormstelling doorontwikkeld. Door haar toetreding tot Japan Contemporary Quilt Association, werkte ze intensief mee aan de promotie van creatieve quiltproductie in Japan. Haar huidige samenwerking met het Global Art Project (GAP) heeft zich tot een belangrijke inspiratiebron ontwikkeld binnen haar carriëre. De veelvuldige artistieke samenwerkingen met kunstenaars verbonden aan GAP stimuleren haar processen op energieke wijze. Ze maakte altijd groot werk door kleine dingen te stapelen, maar ze raakte gefascineerd door de interessante vormen die voortkwamen uit een herhalingsaspect dat opnieuw zou worden geconfigureerd door te couperen om tot iets groters te komen.


Susumu Ohira - Japan - 景 (KEI) N-141

Susumu Ohira ontwikkelde zijn werk aanvankelijk op de conceptie licht en schaduw en secundair manifesteerde het begrip tijd zich binnen zijn werk. Rond 2000 deden circulaire motieven zijn intrede binnen zijn werk en sinds 2008 werkt hij met de integratie van beeldmateriaal als onderliggende basis voor zijn schilderijen. Zijn achtergrondafbeeldingen zijn om ​​specifieke redenen wazig. Onze ogen kunnen geen seconde-tot-seconde of moment-tot-moment verandering vastleggen die wordt veroorzaakt door het verstrijken van de tijd. Voor Susumu Ohira lijkt wat hij 'nu' ziet op dit moment niet te gebeuren, maar is het al gebeurd. Mensen leven in circulaire tijdspatronen zoals ochtend, middag en avond, en lente, zomer, herfst en winter. Landschappen en steden lijken nooit te veranderen, maar veranderen wel, net als alle levende wezens.


Dimitri Xato - the unbearable lightness of disappearing: II Aloe Vera – 3x 80x80 cm

Dimitri Xato woont en werkt als multidisciplinaire kunstenaar in Catalonië, Spanje. Zijn artisitieke uitdrukkingsvormen zijn niet te vangen in een kader en het produceren van een veelvoud aan schilderijen, installaties en assemblages zijn dan ook volstrekt regulier voor hem. Hij weigert met klem om binnen een bepaalde discipline gevangen te zitten. Hij werkt op een instinctieve manier die verre van mode en trends staat. Als zijn ideeën geen echo krijgen, voelt hij de drang om zichzelf te emanciperen. Hij ontwikkelt collectieve tentoonstellingsprojecten die hem de bevrediging en de mogelijkheden om te communiceren met zowel collega kunstenaars als met het grote publiek hebben gegeven. Niet-existentialistische concepten brengen hem bij uitstek terug naar het primitieve, pretentieloze onproductieve aspect dat nodig is voor de intellectuele evolutie van de mensheid. Deze reis heeft hem stap voor stap naar ‘zwart’ geleid, de kleur van alle kleuren, wat tegelijkertijd meditatie, verheffing en opstandigheid is, zwart, kleur die in het licht zijn tegendeel weerspiegelt.


Romeo Battisti - untitled - mixed media on panel - 71x71 





































Romeo Battisti is afgestudeerd aan de Academie voor Schone Kunsten van L'Aquila en woont en werkt in Poggio Bustone, Italië. Als gevolg van zijn voortdurende drang naar onderzoek en experiment binnen zijn werk, maakte hij er zijn zoektocht van om de zin van dingen te ontdekken die verder gaan dan hun uiterlijk. Met zijn uiterst technisch ontwikkelde en beheerste beeldtaal weet hij het onuitsprekelijke tot uitdrukking te brengen. Hij heeft de technieken van de oude meesters bestudeerd en maakt gebruik van elk bekend materiaal dat nodig is voor moderne expressie. Inkten, aarden, tempels, oliën, sluiers, deeg, druppels, schaafwonden maken deel uit van het repertoire. Nooit tevreden voelt hij de behoefte om het oppervlak te breken en het onderliggende te onthullen. Romeo Battisti streeft er sterk naar zijn visie aan de wereld te laten zien met het werk dat hij doet.

Anneke Hodel-Onstein various monoprints - Chine-collé 38,5 x 28,5 cm auf Bütten 50 x 40 cm


Anneke Hodel-Onstein is Nederlandse origine en woont en werkt in de omgeving van Wenen in Oostenrijk. Ze beschrijft haar werk als een proces dat haar geest rond beelden en geluiden doet dolen, die haar daardoor sturing en stabiliteit geven. Abstracte schilderijen helpen irrelevantie weg te nemen, omdat ze niet bedoeld zijn om iets speciaals voor te stellen, maar om te onthullen wat erachter zit. Fragmenten en indrukken van de werkelijkheid, diep geworteld in de natuur en haar persoonlijke achtergrond. Melodieën, ritmes en geluiden zag ze mede door haar muzikale achtergrond als vormen en kleuren en in veel van haar werken speelt muziek daarom nog steeds een leidende rol. Het is haar intrinsieke visuele wereld en associatieve ruimtes, emoties die worden gecreëerd door geluiden. Zo ontstaan een soort gevisualiseerde segmenten van haar bewustzijn en een benadering van hun verborgen geheimen.


Michael Oberlik - hommage #1 - 2019 - mixed media on canvas - 50x50cm 


Michael Oberlik genereert voornamelijk series nieuwe werken op basis van de inspiratie en impulsen die hij opdeed tijdens zijn meerdere reiservaringen, van geabsorbeerde literatuur en poëzie en beelden die hem opvielen. Qua concept en thema ontwikkelen zijn werken zich langzaam over een langere periode en duurt het jaren voordat er verandering op komst is. Hij ontwikkelt zijn schilderijen volgens een vast patroon van niveaus en routines. Alle kleurvlakken in zijn werk zijn handgemaakt van gemengde pigmenten en toegevoegd zand of aarde. Onlangs is hij begonnen met het integreren van collage in zijn werk en momenteel verkent hij de verschillende mogelijkheden van het werken met mixed media. De laatste fase van zijn creatieve proces is de positionering en integratie van zijn eigen gebarentaal in zijn schilderijen.

Vered Gersztenkorn - Israel - markers on paper - 32x24 cm
Vered Gersztenkorn is woonachtig en werkzaam als beeldend kunstenaar in Israël. Met een overvloed aan associaties suggereert zij een complexiteit die niet onmiddellijk wordt onthuld binnen haar werk. De rijke imaginaire beelden ingebed in de kleurrijke omgeving zouden door de beschouwer als naïef kunnen worden bestempeld, maar de werelden die zij portretteert zijn echter helemaal niet naïef. Haar artistieke taal verbergt haar bronnen niet en vormt de motivatie om te creëren als sociaal protest of een kritische weerspiegeling van de samenleving. Haar werk is nieuwsgierig, humoristisch en houdt zich bezig met vervormde mensen, dieren en vormen die naïef en kinderachtig lijken. Soms zijn we geneigd te denken dat naïef schilderen eenvoudig is, maar dat is het niet. Hoe meer je leert, hoe moeilijker het is om terug te keren naar de frisheid van een kind. Ze combineert schilderen, mixed media, abstractie en figuratie. Haar werk is een verlengstuk en een reflectie van haar gevoels -en belevingswereld.


Frans van Viegen - Unnatural 26 - 30x30 cm

Frans van Viegen is een Nederlandse fotograaf die in 2008 een carrièreswitch van internationaal bankmanagement naar zijn passie fotografie maakte en opvolgend cum laude afgestudeerd aan de Fotoacademie in Amsterdam. Met de fotografie van mensen en hun context als uitgangspunt, combineert hij verschillende technieken om (interactieve) beleving te creëren voor de toeschouwer. Binnen zijn interactieve werk integreert hij persoonlijke beelden en persoonlijke context als uitgangspunt en moedigt hij de kijker aan om zijn eigen verhaal te genereren. Binnen zijn nieuwste oeuvre onderzoekt en transformeert hij alledaagse stedelijke panorama’s in beeldverhalen. Met het gezegde van Confucius in zijn hoofd: "Vertel me, en ik zal het vergeten. Laat me zien, en ik zal het me misschien herinneren. Betrek me en ik zal het begrijpen", onderzoekt hij voortdurend nieuwe manieren om mensen te portretteren en hun omgeving. 


Trudy Kunkeler - decontruction





































Sinds de jaren 90 werkt Trudy Kunkeler afwisselend in haar studio's in Dordrecht en Barcelona. Ze heeft twee jaar een residentie in Andorra gebruikt en heeft in de loop der jaren op locaties in de Franse Pyreneeën gewerkt. In 1996 maakte ze een studiereis naar Jemen om leemarchitectuur te studeren. Die periodes waren en zijn nog steeds bepalend voor de ontwikkeling van haar werk. Landschap, architectuur, archeologie, geografie en cartografie zijn de disciplines die Kunkeler in haar werk gebruikt. Ze stelt niet alleen de scheiding tussen zee, landschap en stad en tussen fotografie, keramiek, sculptuur en installatie in vraag, maar ook tussen de verschillende technische processen en materiaalbehandelingen en ontdekt altijd een nieuwe manier van werken die voortkomt uit haar manier van denken. Of haar werk nu verwijst naar de oudheid of naar hedendaagse persfoto's, ze bevriest altijd een moment van verdwijning, van vernietiging. Er ontstaat een nieuwe stad waarin de sporen van het oude zijn verwerkt, een stad die in het bestaande landschap is ingevoegd en nieuwe landschappen die de sporen van een oude stad dragen. Een constante lijn van constructie en deconstructie.

"Voordat landschap ooit een ontspanning van de zintuigen kan zijn, is het een werk van de geest. Het decor is evenzeer opgebouwd uit lagen geheugen als uit lagen rots.". Citaat uit: Landscape and Memory, Simon Schama.


Larisa Sjoerds - Under my Skin - works on paper - 40x50 cm


Larisa Sjoerds is als beeldend kunstenaar intensief werkzaam met haar favoriete medium inkt gecombineerd met allerlei al dan niet voor de hand liggende media die de consistentie van inkt kunnen beïnvloeden. Haar tekeningen hebben een hoge mate van eigenheid en visualiseren geabstraheerde menselijke figuren in een surrealistische wereld en zijn letterlijk geïnspireerd op de vormen en patronen van cellen in het menselijk lichaam en andere fauna en flora, maar nooit slechts een kopie van die bestaande vormen en patronen. Blauwdrukken van onderbewustzijn, uitgevoerd in diverse tinten blauwe inkt, zijn geïnspireerd op ons onderbewustzijn. Haar verklaring: “Onze emoties en instincten kunnen erg verontrustend en intrigerend zijn. Ergens diep in ons lichaam vinden verschillende processen plaats. Zoals het kloppen van een hart, een eisprong, impulsieve gedachten die te maken hebben met angst, seksuele of gewelddadige acties. Deze veelal verborgen processen, gedachten, emoties en instincten zijn wat ze wil visualiseren. De creatieve ontwikkeling van deze visualisatie is deels rationeel en deels net zo organisch en intuïtief als het (dis) functioneren van ons brein en ons lichaam.


Ron Weijers - Dreamcatchers - 4x 50x60 cm


Ron Weijers geeft als kunstenaar visueel commentaar op onze alledaagse (sur)realiteiten en stimuleert de dialoog en discussie over sociale en geopolitieke vraagstukken van onze tijd. In zijn werk beschouwt hij het dagelijkse absurde - groter dan het leven - (on)mogelijkheden van deze wereld door de essentie te visualiseren en de kern van het probleem te vangen. Binnen een oneindige en onstuitbare reeks van verschillende media en manieren of benaderingen van artistieke visualisatie zoals muziek, film, fotografie, tekenen, schilderen, collage en assemblage, kan men een speciale harmonie voelen tussen het uitgedrukte en geproduceerde, tussen het persoonlijke en populistische, het traditionele en moderne, met voorbedachten rade en intuïtief, maar ook tussen fysiek waargenomen en spiritueel gevoeld. Weijers is een van die kunstenaars die voortdurend de technieken die ze gebruiken, hun betekenissen en hun doelstellingen in twijfel trekt en zich er terdege van bewust is dat er nooit een definitief antwoord zal zijn en dat hun werk bedoeld is om empirisch te blijven. Hij is geen abstracte schilder die figuratie gebruikt, maar een figuratieve schilder die abstractie produceert.


Anja Steketee - Block in Block D - ceramic

Anja Steketee studeerde aan de Ambachtelijke Opleiding Keramische technieken en de Nederlandse Keramiekopleiding in Gouda en ontving een Talent Award voor haar werk in 2015. Een belangrijke bron van inspiratie en conceptueel uitgangspunt binnen veel van haar recente werk is de architectuur van de stad. De veelvoud aan bouwwerken vormen voor haar een boeiend schouwspel aan ritmische patronen van lijnen en vlakken. Afhankelijk van het tijdstip, de lichtval en de plaats waarop de toeschouwer zich ergens bevindt, ontstaat er telkens weer een ander beeld. In tegenstelling tot de vastomlijnde gebouwen in een stad, zijn er met de elementen van haar werk een veelvoud aan verschillende composities te configureren. De onderdelen van haar werken nodigen uit tot rangschikken naar eigen inzicht en idee, door te stapelen of aan elkaar te schakelen. Een vorm van spelen met de verbeelding.